Mahlikah Awe:ri:

Une artiste de conscience

 

À la lumière des jeux Pan Am et en conclusion du « Mois national de l'histoire autochtone », nous nous sommes assis avec la remarquable Mahlikah Awe:ri pour discuter de la culture Hip Hop , du « spoken word » ( mot parlé) et de l'éducation des arts.

 

Mahlikah Awe:ri, Enml'ga't - Saqama'sgw, Walking Woman, est une poète, musicienne, rapologiste, une hip hop MC, éducatrice des arts, animatrice de radio, artiviste, et conservatrice autochtone (Haudenosaunee Kanien'kéha Mi'kmaw), basée à Toronto, avec des racines de la Nouvelle-Écosse. Sa musique et sa poésie ont été jouées et interprétées à travers « Turtle Island » (terme utilisé pour désigner le continent nord américain) et à l'étranger dans des endroits comme l'Irlande, Trinité-et- Tobago et le Nouveau Mexique. Mahlikah est également un membre fondateur de Red Slam Collective, un  mouvement indigène de Hip Hop, nominé en 2013 pour  les récompenses TD Diversity ArtsEn 2011, Mahlikah Awe:ri a publié le « mot parlé EP Peau de Serpent », est publiée actuellement dans quatre anthologies littéraires, elle a été nominée pour le KM Hunter OAC littéraires Arts Award en 2013.  Pendant l'année scolaire 2014-2015, elle va livrer le projet  WEB Of life Arts Education en partenariat avec la CAO, sera l'une des quatre entraîneurs de Poésie Slam pour les bibliothèques publiques de Toronto sur le thème La poésie a sauvé nos vies 2015 Pan- AM Poésie Slam City pour les jeunes âgés de 13-19 ans, et est l’artiste principale de Exprimer Sa Culture Autochtone à travers les Arts en partenariat avec le Centre d'éducation autochtone TDSB et l' AGO . Mahlikah Awe:ri est la première poète canadienne à être présente dans le calendrier des poètes annuel American Sistah Of VizionsSistah  publié annuellement par le magazine SpokenVizions pour 2015. Elle a fait l'histoire en devenant la première artiste autochtone sélectionnée pour l’inauguration 2015 de Cultural Leaders Lab Fellow du Toronto Arts Council.

 

 

Entretien

par Sheniz Janmohamed, traduit par Marie Martel, Éditrice du contenu francophone Lavalab

 

S: Comment avez-vous atterri  dans le monde du « spoken word » (mot parlé) et le hip hop , et comment se fait-il que ces formes d'art ont résonné en vous 

M: Je suis assez sûr que je suis née dans l’univers du « Spoken word » (mot parlé). Ma mère, mes grands-parents et grands oncles étaient tous des grands conteurs. Écouter des histoires, partager des histoires et lire des histoires ont fait partie de mon enfance. J’ai commencé à écrire mon propre poème en 5e année après avoir fait une unité sur Shell Silverstein. C’était à peu près à cette même époque  que je suis aussi entrée dans le théâtre et l’écriture des pièces et que j’ai joué dans des pièces de théâtre à l'école. Ma première exposition à la culture Hip Hop a été dans le début des années 80. Quand mes cousins ​​plus âgés venaient nous rendre visite, ils essayaient et m’apprenaient à « être une fille ». C'était difficile. Puis en 1984, j’ai déménagé à Scarborough et le HipHop m'a frappé de plein fouet. Tout le monde était dans au moins un des quatre éléments et si vous n’y étiez pas, vous étiez considérés comme faible. J’ai commencé à écouter de la musique rap à la radio et beaucoup de mes nouveaux amis ayant des frères et sœurs plus âgés étaient en DJing ce qui m'a permis d'obtenir beaucoup d’enregistrements piratés. Avec une basse caisse et un walkman, j’ai commencé à mémoriser mes morceaux de rap préférés et pratiquer mon flux. Au moment où j’étais en 7ème année, j’écrivais mes propres rimes et mon propre style, la plupart du temps avec mes copines parce que les garçons n’acceptaient  pas encore les filles dans aucun type de rap. Donc, mon intérêt se déplaçait  entre l'athlétisme et des compétitions de Discours d’Arts jusqu'à l'école secondaire. À l'école secondaire mon amour pour le HipHop et le Spoken Word (mot parlé) a grandi et mûri. J’ai commencé à être encadré par des poètes et rappeurs établis. Allant à la même école secondaire que la légende du hip-hop canadien Maestro Fresh Wes m,a fait devenir un des candidats dans Tdot pour les nouveaux talents émergents du HipHop. Très vite, j’ai joué aux assemblées de l’école, j’ai fait des tournées avec ma petite équipe de théâtre dans les écoles moyennes locales et finalement j’ai rejoint les jeunes poètes de la Révolution, Fresh Arts and Honey Jam. La scène des 90 Spoken Word et HipHop de Toronto était sur fiyah, et c’est quand moi-même et beaucoup de nos dirigeants actuels dans les deux formes d'art ont éclaté et ont commencé à ouvrir la voie à l'activisme social et la conscience élevée à travers les arts. Ceux-ci étaient l'original «à risque» des jeunes de Toronto qui, malgré l'étiquette, risquait tout pour l'amour de l'expression artistique. Ce fut une génération qui a été véritablement sauvée par la poésie et le hip-hop. Je sais que je ne respirerais plus si je n’avais pas ces débouchés créatifs pour libérer les effets du traumatisme vécus par le poids de l'oppression, l'exposition à la violence domestique et sexuelle et la hausse de la drogue et des gangs liés à ma communauté à l'époque.

 

S: Comment Red Slam est-il venu au monde?

M: Je faisais la transition d'être sur le Conservatoire Royal de Musique de l'apprentissage à travers les Arts à mes propres projets artistiques indépendants à l'école et dans les communautés. Après avoir fait un atelier réussi de 12 semaines  de Red HipHop avec des jeunes au Native Canadian Centre of Toronto, Stacia Loft, la coordonnatrice des programmes Jeunesse à cette époque, m’a demandé  de concevoir une série d’ateliers de poésie Slam pour l’automne 2008, que j’ai appelé Red Slam. La plupart des membres fondateurs de Red Slam ont assisté à ces sessions et nous avons commencé à bouger entre la poésie et le rap. Alors que les ateliers touchaient à leur fin, nous avons été encouragés à appliquer pour une subvention « stratégie autochtone en milieu urbain » et une subvention OAC Développement des carrières pour nous permettre de nous développer en tant qu’artistes HipHop, musiciens, auteurs et poètes, et construire un mouvement urbain des arts culturels autochtones.  En 2009, nous étions encadrés par des lauréats de prix Juno Digging Roots. En 2010, nous avons commencé notre première tournée avec le matériel que nous avions mis au point au cours de notre mentorat à travers l'Ontario voyageant principalement à l'extérieur de Toronto. Notre tournée était composée de performances et d'ateliers dans divers éléments de HipHop pour les jeunes. Nous avons essayé de maintenir le concept autochtone de la collectivité au cœur de notre mouvement qui signifie que tout convergé autour de notre mission centrale : soulèvement, auto- identification et promotion de l'unité grâce à la parole, et au SLAM, afin de faire participer les enfants et les jeunes, conjointement avec les communautés autochtones et non - autochtones intergénérationnels d’un océan à un autre. Nous relions enseignements autochtones et les questions de justice sociale avec l'activisme expressif de la culture hip hop, tout en permettant aux individus au sein du collectif d'évoluer artistiquement. Personnellement et spirituellement, c’est un concept très fluide d'honorer les dons de chacun et l'utilisation de ces dons pour pousser le mouvement qui est supérieur à la somme de toutes ses parties.

 

S: Pouvez- vous nous parler de vos projets d'éducation artistique dans les écoles, en particulier le projet " Web of Life" ?

M: Web of Life est le troisième projet OAC financé de l'éducation artistique que je l'ai livré à travers les artistes autochtones dans le programme des écoles. Inspiré par les enseignements autochtones de  « Web of life", les élèves ont reconnu et exprimé des" interconnexions " avec leurs quartiers et leurs environnements locaux utilisant la photographie numérique, le rap et le slam. Les projets ont eu lieu au cours de l'année scolaire 2014-2015  avec des élèves de 1ère à la 10ème année dans les milieux urbains et ruraux, élèves autochtones et non autochtones dans tout l'Ontario. Ce projet a également complété le programme NAC 10 (expression de la culture autochtone par les arts), qui est un crédit d’art visuel offert à tous les élèves de 9e année dans les écoles secondaires de l'Ontario des arts visuels.

 

S: Vous travaillez avec les jeunes dans de nombreux contextes et dans de nombreuses communautés. Selon votre expérience, comment pouvons-nous, en tant qu'éducateurs et artistes, responsabiliser, émanciper et soutenir les jeunes ? Qu’est-ce qui a fonctionné et qu’est-ce qui ne fonctionne pas pour vous?

M: La notion de responsabilisation et d’émancipation est un peu un mensonge. La responsabilisation et l’émancipation commencent avec la notion de « soi » ... si vous n'êtes pas conscient de vos moyens, si vous n’avez pas confiance en vous  et si vous avez un manque d'identité et d'amour de vous, vous ne reconnaîtrez pas le potentiel qui a en vous. Vous voulez soutenir la prochaine génération intégrant les 5 mots dans votre pratique : Ecoute. Désapprendre. Amour. Mener par l'exemple. Lâchez vos positions de privilège.

 

S: Dans votre biographie, vous vous référez à votre héritage africain / Mohawk et Mi'kmaw. Quels sont certains des défis que vous rencontrez quand vous exprimez/honorez vos racines et votre patrimoine mixte, en particulier dans les espaces institutionnalisés?

M: Je ne pense pas que la complexité de mes ADN soit au cœur de mes défis quotidiens dans des espaces institutionnalisés ... personne ne me regarde à un niveau moléculaire. C’est l'étiquetage immédiat avec lequel je suis aux prises sur une base quotidienne et cela inclut ma couleur de peau, mon auto-identification des Premières nations, mon genre, mes affiliations à des quartiers prioritaires urbains et la culture HipHop. Les défis sont une combinaison de l'accès à ces espaces à la fois comme artiste - éducateur et l'ouverture de ces espaces à des jeunes et des groupes marginalisés dans la ville. C’est pourquoi la Décolonisation et l’Indigénisation sont au cœur de ma pratique artistique. Il ne suffit pas de recevoir une invitation pour animer des ateliers ou d'interpréter à la Galerie d'art de l'Ontario ou une bibliothèque publique de Toronto. Je devrais être vue, entendue et respectée lors de la création, de l'enseignement ou de la présentation dans ces espaces. Je ne devrais pas me faire sentir indésirable, un jeton «Indien» ou une menace pour les systèmes d'oppression systémique, qui rendent notre jeunesse mal à l’aise.

 

S: Quelles sont vos pensées sur la désignation d’un mois reconnaissant et célébrant  le  Mois national de l'histoire autochtone (MNHA) au Canada?

M: Tout d'abord j’espère que nous pourrions perdre le mot « autochtone » dans MHAN. Appelons-le Mois national du patrimoine indigène. Autochtone signifie être odieuse à l’origine. Pas quelque chose que je fête. Comme tous les mois patrimoniaux désignés tout au long de l'année, je me sens comme nous avons besoin d'un moment pour rappeler aux « premiers habitants »que nous sommes toujours là, survivant et prospérant malgré les luttes que nous continuons de faire face en tant que peuple . Il donne également aux nouveaux arrivants l'occasion de s'engager avec la communauté d'une manière authentique au-delà de l'examen pour la citoyenneté. Sur le revers, fêtez qui vous êtes devrait se faire  365 jours par an et en particulier rééduquer les «Canadiens» sur la véritable histoire de la colonisation et de son traumatisme générationnelle sur notre peuple devrait être une partie obligatoire du curriculum dans tous les pays.

 

S: Quelles sont vos plus grandes influences / inspirations dans le hip hop et le « spoken word » (mot parlé)?

M: Tout d'abord, mes grands-parents et ma mère. Dans le monde du hip-hop , je dirais  Lauryn Hill, Eve, Bahamadia , NAS , The Roots , Lupe Fiasco , Erykah Badu , Tribe Called Quest , Parti de la Guerre , Ostwelve , Supaman ;, Biggie , Tupac , Wu - Tang Clan , Mary J Blige , TLC , Missy Elliot , Mos Def , Alicia Keys.

Spoken Word : Zachée Jackson ( RIP ) ; Maya Angelou ( RIP ) ; Nina Simone ( RIP ) ; Billie Holiday ( RIP ) Janet Rogers , Duke Redbird , Janette Armstrong , John Trudell , Escalade Poetree , Shauntay Grant, Saul Williams , Noor Hasan , poétique Pèlerinage

 

S: Pouvez- vous nous parler de l'importance de la philosophie derrière l'éducation décolonisée et  l'indigénisation du hip-hop ? Comment les écoles (personnels, étudiants ou enseignants) ont reçu et répondu à ces concepts?

M: Premièrement, il faut se poser la question est-ce que le Hip Hop est autochtone ? Le HipHop comme une culture est composé de l'indigénéité de nombreuses populations et leurs dons artistiques. Les mouvements dans Breakin ' peuvent être attribués à une variété de groupes autochtones en Afrique et dans les Amériques, à savoir  L'Apache. Graf est relié à des civilisations anciennes à travers le monde qui ont raconté les histoires de leur peuple par des pictogrammes et des peintures rupestres. Le DJ est le contemporain, le tambour est le battement d'origine qui seconde le battement de nos propres cœurs, lequel est le premier rythme qui nous émeut, pendant que nous attendons la naissance dans le ventre de notre mère. Comme nos gens disent, le tambour est le battement de cœur de notre peuple. Et enfin, le MC, les conteurs, nous viennent d'une communauté de conteurs, une riche tapisserie de la littérature orale. Oui, le HipHop a des racines historiques dans le South Bronx, mais en tant que culture, il est une force vivante, transformative et évolutive, où l'expression de soi est cultivée et encouragée. Décoloniser à travers le HipHop crée un apprentissage avec les jeunes au centre qui permet aux participants d'engager de façon constructive et de prendre possession de leur propre parcours d'apprentissage et récit personnel. Cela permet aux jeunes de découvrir et de comprendre leur interdépendance les uns aux autres comme des êtres autochtones et non - autochtones co-existants, de rendre hommage à la compréhension commune indigène qui est que nous sommes tous liés aux 6 principes de HipHop : paix, amour, unité, connaissance, sagesse et compréhension. Je tente d'incorporer les 4 directions de l'indigénisation HipHop que j’utilise dans les écoles, communautés, centres de détention pour mineurs et les programmes universitaires :

1. Intégration des enseignements autochtones et les principes de HipHop

2. Identité et le cinquième élément de HipHop connaissance de soi

3. L'interconnexion du Cercle de partage autochtones et le HipHop

4. Invocation du  « plus de » : plus de Silence dans le développement du leadership à travers 7Gen artiviste social.

Avec le lancement de « Rhymes Re-éducation » l'année dernière et la première  « HipHop Symposium » au TDSB pour les 7-11 années cette année, il est clair que quelqu'un dans le système d'éducation est enfin à l'écoute de la richesse de l'apprentissage holistique. Bien sûr, les craintes sont que si vous prenez une culture qui vient  des rues et les histoires de luttes marginalisés, cela va-t’il apporter l'éducation Hip Hop en tête de la classe à la dilution de la culture et de l'appropriation de la culture? D'autre part, certains éducateurs pensent que ce type d'apprentissage  comprendra des étudiants rebelles contre le système et que leur façon traditionnelle d’enseigner serait bientôt obsolète. Au vue des premières expériences la plupart des étudiants, même s’ils ne sont pas dans la musique rap, ont un lien avec le HipHop et ils répondent vraiment à l’opportunité qui leur ait donné d'avoir une analyse critique sur les questions mondiales, les discussions réelles, de l'auto-réflexion et d'exploration créative grâce aux éléments de HipHop. La plupart des enseignants sont satisfaits du niveau d'engagement, de la participation des élèves et de ce qu’ils apprennent sur les peuples autochtones à travers des activités élémentaires du HipHop.

 

S: Parlez-nous de quelques-uns des projets sur lesquels vous travaillez actuellement, et où nous pouvons voir vos performances et ateliers à venir?

M: Je manifeste toujours de nouvelles initiatives créatives. Dans les mois à venir, je serai à Montréal la semaine du 6 Juillet. Je vais faire un peu de radio sur CKUT’s Native Solidarity Radio le 7 Juillet à 18 heures,  puis je vais faire une scène avec Kalmunity autour de 21h45. Ensuite, je serai de retour pour le Forum social populaire de Toronto en tête d'affiche avec « Red Slam Collective »  le 11 Juillet à Beit Zatoun. Du 17 au 19 juillet je serai l'un des quatre animateurs de l'atelier « L’eau est notre retraite Womb » à Gibraltar Point. Et durant le mois de Juillet, je vais être l'une des femmes féroces d'une nouvelle pièce de Catherine Hernandez appelé « je ne peux pas mentir aux stars qui m'ont fait », étant en atelier au Buddies et Badtimes.

 

Pour lire et entendre plus sur Mahlikah , visitez :

Red Slam, Right Level: https://www.youtube.com/watch?v=ro_fYcYvSoI

Instagram: https://instagram.com/mahlikah_aweri/

Twitter: @redslam

Youtube: https://www.youtube.com/user/RedSlamCollective

 

Sheniz Janmohamed                                                       

LaVaLab Literary Arts Editor                                        

literaryarts@lavalab.ca

 

Traduit par Marie Martel

Éditrice du contenu francophone, Lavalab

francais@lavalab.ca


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